la-banda-picasso

‘La banda Picasso’

‘La banda Picasso’ fue dirigida por Fernando Colomo en el año 2012.

El filme nos traslada al París de las Vanguardias Históricas, al año 1911 y gira alrededor de una pregunta ¿Quién robó la Gioconda?. Todo se enmarca dentro de una comedia pero en cierto modo tiene parte de “realidad”.

En primer lugar, a través de aproximadamente 100 minutos podremos ver en la pantalla la puesta en escena a algunos de los personajes más emblemáticos del mundo del Arte y la Literatura de la primera década del siglo XX. Todos ellos personajes que tuvieron que ver con Picasso y desde ópticas muy distintas:

En primer lugar, nos encontramos con George Braques,  otro de los pintores del Bateau Lavoir.  Por otro lado si algo caracteriza la vida del malagueño, es su genio, pero también las mujeres de las que se rodearía hasta su muerte. Son en cierto modo,  otra de las constantes en su obra y en estos momentos en su vida se encuentra Fernande Olivier. No sólo tuvo amantes sino que también tuvo amigos como puede ser la escritora Geltrude Stein, quien le dedica una obra. Además,  en estos momentos se encuentra rodeado de algunos de los personajes más relevantes de las primeras décadas del siglo, todos ellos ayudaron a dar forma a las primeras vanguardias históricas y es el caso de Max Jacob o el poeta Apollinaire. Cada uno contribuiría desde un ángulo diferente.

Aunque su argumento gira alrededor de la parodia, el arte traspasa en esta ocasión el celuloide y nos da unas cuantas lecciones. A grandes rasgos, asistimos a un acontecimiento fundamental en la Historia del Arte del Siglo XX mientras George Braque y Pablo Picasso fundamentan el Cubismo. En esencia podemos ver como Picasso crea ‘Las señoritas de Avignon’, el cuadro que da el pistoletazo de salida al movimiento y con ello, algunos puntos de la iconografía picassiana propiamente dicha como puede ser la mirada a las figurillas ibéricas. Todo empieza cuando visita una exposición en el Museo del Louvre y a partir de ahí, adquirirá algunos exvotos en bronce. Sobre todo mira a algunos rasgos que transportará al lienzo, su primitivismo y esquematismo.

En definitiva, nos presentan una obra divertida en la que no todo es parodia.

wp-1486667044503.jpg

La casa de los castos amantes abre al público después de su restauración.

La casa de los castos amantes es uno de los lugares más relevantes de la arqueología pompeyana. Tras su restauración se abre al público. 

La historia de esta domus empieza en Pompeya con uno de los episodios más traumáticos de la historia antigua, la erupción del Vesubio en el año 79 d.C. La nube de humo comenzó una mañana del 24 de octubre pero en poco tiempo las ciudades de Pompeya y Herculano quedaron sepultadas. En el caso de Herculano el fango y la ceniza llenaron sus calles y Pompeya quedó sepultada en cenizas.

¡En 24 horas las ciudadedes habían desaparecido!

Las ruinas de Pompeya fueron descubiertas en el siglo XVIII. Fue Carlos III Rey de Nápoles y futuro Rey de España quien encarga a Roque Joaquín de Alcubierre llevar a cabo las excavaciones. La importanciá de este descubrimiento tuvo mucho eco en Europa.

El yacimiento se siguió explotando con el paso de los siglos y en el siglo XX, se sigue hablando de la importancia de las excavaciones de Pompeya.

Una de esas excavaciones sacó a la luz la casa de los amantes castos eb 1987

La domus se llamó así por uno de los frescos de la instancia principal que representa a dos amantes Si tenemos en cuenta el resto de viviendas pompeyanas, es bastante grande, tuvo varias habitaciones. Además poseía un horno industrial de pan de ciertas dimensiones.

Solo fue abierta al público durante algunos meses en el año 2010 y tras 12 años de restauración se podrá visitar.

superga-basilica

Filippo Juvarra y el palacio que no llego a ser.

Filippo Juvarra nació en el año 1678 y falleció en Madrid el 31 de enero de 1736.

El artista nació en la ciudad de Mesina. Durante la primera etapa de su carrera se centra en su trabajo como escenógrafo. Uno de sus primeros trabajos de relevancia, es el diseñó los decorados de la festividad por la coronación de Felipe V en Sicilia. Especialmente tiene especial relevancia su trabajo en teatros donde trabajó realizando decorados, maquinaria y escenografías. Dio un paso más en su carrera cuando se convierte en miembro de la Academia de San Lucas. Su primer trabajo importante en el ámbito de la arquitectura será La Capilla Antamori en la Iglesia de San Jerónimo de la Caridad.

A partir de 1714 la producción artística de Juvarra será muy intensa. Fue contratado por Víctor Amadeo II de Saboya, quien le encargo un gran proyecto escenográfico. El resultado gustó mucho y fue nombrado  Primer arquitecto de la Corte. Durante esta etapa de su carrera en Turín llevará a cabo obras como la basílica de Superga y la Basílica de la Natividad. Aunque la arquitectura le ocupaba una parte importante de su tiempo, no dejó a un lado su trabajo como decorador. En estos momentos lleva a cabo la decoración del pabellón de caza del palacio llamado Palazzina di Stupinigi de los Saboya.

La siguiente etapa del artista tiene lugar en España y comienza con la invitación de Felipe V para trabajar en los Reales Sitios. Ya habían llamado antes a otros artistas italianos como Procaccini. 

El nombre de Juvarra queda ligado a los palacios de la Granja de San Ildefonso, el Palacio Real de Aranjuez y al Palacio Real de Madrid.

El Palacio Real de Madrid tal y como lo concibió Juvarra se conoce por los proyectos en papel. En su día se realizó una maqueta de madera, hoy desaparecida. 

De haberse construido tal y como quería Juvarra, se hubieta tenido que buscar un gran llano. En general se concibe un edificio de grandes dimensiones que en aspectos como sus cuatro patios mira hacia la arquitectura italiana, en otros lo hace a francia y sobre todo si tenemos en cuenta la horizontalidad de su fachada. Quedaría dominado por un orden gigante. 

El arquitecto falleció antes de que las obras pudieran empezar y será su discípulo Giovanni Battista Sacheti el encargado de llevar a cabo el Palacio Nuevo de Madrid. A diferencia del proyecto de Juvarra debería  ocupar el antiguo solar del alcazar de los Austria y adaptar en parte el primer proyecto.


176

El precio del último lugar donde vivió Picasso

Notre-Dame-de-Vie es el nombre de  la última residencia de Picasso, tan solo a 7 km de Cannes. Es un lugar privilegiado en la Costa Azul que después de haber pasado por varios dueños vuelve a estar a la venta por una cantidad de 15 millones de euros.

Como tantas otras cosas en la vida de Picasso, el por qué Picasso compra este lugar, es debido al nombre de una mujer, una de las constantes en su vida y en su arte. Hasta este momento habían pasado por su vida otras mujeres como Germanie, Fernande Oliviere, Eva, Olga, Maria Therese,  Dora Maar, Francoise Gilot y la última de todas ellas Jacqueline Roque.

 Jacquelin Roque es la mujer que vemos al lado del artista en  la última etapa de vida del artista.   La primera vez que se conovieron, fue en uno de los viajes de Picasso a Vallauris. Ella estaba trabajando en una tienda de cerámica.  Posteriormente tendrían otro encuentro y de esta manera comienza un nuevo romance para el pintor. Se casó con Jacqueline el 2 de marzo de 1961 cuando Picasso tenía 72 años de edad. Primero fue su musa y después su esposa. Como regalo de bodas le regaló esta residencia.
Tras la muerte de Picasso con 91 años de una embolia pulmonar, Jacqueline cae en una profunda depresión suicidándose en este mismo lugar que el artista la había regalado.

 

 

el-grito-de-munch

Edvard Munch y la pintura sobre la existencia humana

Edvard Munch nació tal día como hoy el 12 de diciembre de 1863 en Noruega.

Su primera formación no tuvo que ver con el arte, sino que estudia ingeniería, carrera que finalmente abandona por la pintura.  No tuvo  un maestro pero si un referente que le dio múltiples consejos sobre sus lienzos  Christian Krohg. Dicho personaje es conocido por ser uno de los pintores más relevantes de la colonia artística ‘los pintores de Skagen’. Pero al igual que otros artistas, su pintura queda marcada por el contacto con la ciudad de París a principios de la década de los 80. Allí puede conocer y empaparse de la obra de artistas de la talla como Gauguin así como de corrientes como el Postimpresionismo y el Sintetismo.

Sus primeras obras de importancia datan del final de la década de los años 80. Estuvo implicado en la Exposición de Otoño de Oslo en 1886 y dio mucho de que hablar debido a algunas de las obras que presentó. Con la obra titulada ‘La niña enferma’ provocó todo un escándalo y este no sería el único de su carrera. Posteriormente vive en Berlín donde su fama se acrecenta tras el cierre de la muestra del Verein Berliner Künstler en 1892.

En 1909 regresa a su patria, Noruega, donde recibe diversos encargos y le reconocen su trabajo. Posteriormente en 1916 tras estar internado por una enfermedad se aísla de la vida pública en una hacienda en Ekely.

Ahora bien, qué decir de la pintura de Munch. Aunque en un principio su brocha queda marcada por lo visto en París y en especial por movimientos como el Postimpresionismo como ya hemos comentado, termina desarrollando un estilo muy personal y convirtiéndose en uno de los exponentes del Expresionismo alemán.

Fuera del estilo y las formas, lo más personal de su pintura son las temáticas representadas. A grandes rasgos, podemos decir que quedan marcadas por las tragedias humanas y más pormenorizadamente, vemos como encuadra debajo de este telón de fondo el sexo, la muerte, las mujeres, la muerte y su propia inestabilidad mental. Quizás esta temática tiene mucho que ver con la vida que había tenido en el hogar familiar. Fue educado en un ambiente donde todo quedaba dominado por la moral y la tendencia depresiva de su padre. A lo que años después hay que sumarle la muerte de su madre y una de sus hermanas. Además, tiene una remarcada influencia de la filosofía de Friedrich Wilhelm Nietzsche. Una de las obras que mejor representa su manera de pintar es ‘El grito’ entendido en todas sus versiones como una visión de la desesperación.

Uno de los momentos más cruciales en la vida del artista viene con el gobierno nazi en 1940. Muchas de sus pinturas fueron retiradas de las paredes de los museos y tachadas como tantas otras de “arte degenerado”.

En definitiva, la vida de Edvard Munch fue complicada y tuvo a lo largo de su vida dos problemas que le marcan, el alcoholismo y las crisis nervisiosas. Terminó sus dias retirado y solo en la ciudad de Ekely en 1944.

palacio-del-buen-retiro

La futura ampliación del Museo Nacional del Prado: el Salón de Reinos

El Museo del Prado es uno de los edificios más emblemáticos de Madrid. Con el paso de los años, la pinacoteca se ha tenido que ir adaptando y ampliando. La última ampliación dio mucho de que hablar con la rehabilitación del antiguo claustro de los Jerónimo de mano de Moneo.

Ahora, se enfrentará a otra nueva ampliación. Se busca recuperar el Palacio del Buen Retiro. Es un proyecto muy ambicioso con el que se unirá el edificio Villanueva, germen del Museo del Prado y uno de los emblemas del Neoclasicismo, con el Palacio del Buen Retiro construido por Felipe IV. Es complicado ya que hay calles de por medio. La calle Méndez Núñez y la calle de Felipe Iv. Ambas pasarán a ser vías peatonales. De esta manera se creará un eje que unirá el edificio Villanueva, el cubo de la última ampliación (antiguo claustro Jerónimo), el Casón del Buen Retiro y el Salón de Reinos.

De nuevo a la cabeza de este proyecto vemos a un arquitecto internacional de renombre, Norman Foster (Torre Swiss Re de Londres). A éste se le une el equipo de Carlos Rubio (Torres Business de la Castellana en Madrid). El proyecto resultante de esta colaboración fue el ganador del concurso arquitectónico celebrado el pasado mes de febrero.

La restauración del antiguo Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro es quizás una de las partes más llamativas del proyecto:

El Palacio del Buen Retiro se levantó entre los años 1630 y 1635 como espacio de recreo para el monarca Felipe IV. No destaca por la resolución de su arquitectura a la que se puede tachar de “improvisada” en la que se juega con el entramado de plazas, crujías y galerías, todo ello, inserto en el elemento más importante del conjunto, los jardines. El Salón de Reinos fue parte del conjunto. Su nombre se debe a que en su interior se encontraban representados los 24 escudos de los reinos españoles.

En reglas generales y aunque aun quedan algunos aspectos por cuadrar, el nuevo espacio va a dividirse en tres plantas, la tercera será destinada a exposiciones, la segunda comprenderá el antiguo Salón de Reinos y la primera tendrá como función la recepción de los visitantes del museo.

La restauración busca respetar lo máximo posible el edificio del siglo XVII y para ello, se van a recuperar algunos de los elementos arquitectónicos que más lo representaron como las balconadas originales a la vez que se suprimen algunas intervenciones del siglo XIX y XX en la fachada sur.

En definitiva, la nueva ampliación de la pinacoteca plantea toda una remodelación que va más allá de la arquitectura de museos, es una importante reforma urbanística que busca a la vez, recuperar un espacio histórico.

bodegon-con-cacharros-zurbaran

Francisco de Zurbarán y la pintura del Siglo de Oro

Francisco de Zurbarán nació el 7 de noviembre de 1598.

Su aprendizaje como artista comienza en 1614, en el taller del pintor Pedro Díaz de Villanueva. En la década de los años veinte, su fama como artista es ya reconocida y tiene a sus espaldas algunos encargos de envergadura. Parte de su trabajo viene marcado por la firma de una serie de contrato con órdenes religiosas. El contrato con la comunidad de predicadores de la orden dominica de San Pablo el Real (Sevilla). Ha este periodo pertenecen obras tan celebradas como el ‘Cristo crucificado’. Después de estos trabajos continuó trabajando en Sevilla. En 1628 trabaja para el convento de Nuestra Señora de la Merced Calzada.

Aunque en Sevilla tenía cierta fama, su mayor reconocimiento viene cuando viaja a la Corte, a Madrid. Conoció el trabajo de algunos grandes artistas y se relacionó directamente con Velázquez. Regresa a casa con un título tras sus espaldas, será nombrado Pintor del Rey.

Su obra llegó más allá e interesó a los extranjeros. Realizó pinturas de santos para mandar a América. Mandó algunas de sus obras a lugares como Lima y Perú. Estos destinos le produjeron dinero en un momento en el cual los encargos por parte de la Corte habían disminuido debido a la caída del poder del Conde Duque de Olivares, valido del Rey que siempre había mostrado simpatía por el grupo de pintores andaluces del Siglo de Oro.

En reglas generales, en su pintura podemos ver el gusto por la temática religiosa aunque también pintó algunos temas profanos, muchos de ellos vendidos a América. Dentro de su obra religiosa hay tres temáticas marcadas, las pinturas de Santos, las representaciones marianas y los bodegones. A través de la obra del Museo Nacional del Prado podemos conocer algunas de las particularidades de su pintura.

Dentro de los temas marianos toma especial relevancia la iconografía de la divina concepción. Temática que recientemente el Museo Nacional del Prado le ha dedicado una exposición. ‘ La Inmaculada Concepción’ (1628 a 1630) es una de sus pinturas más tempranas. Se representa la figura de la Virgen sobre la media luna a la que le rodean ángeles. La figura de María se encuentra modelada a base del trabajo del claroscuro. Pero la representación de Zurbarán va más allá con referencias a signos zodiacales en la parte baja del lienzo.

Otro de los focos fundamentales en su obra, son los bodegones. El Museo del Prado tiene en su colección ejemplos como el ‘Bodegón con cacharros’, un oleo pintado hacia el año 1650. Representa una serie de recipientes de distinta procedencia, todos ellos de un marcado volumen y color. En la representación juega con el claroscuro, en como se insertan estos volúmenes en el cuadro. Un lienzo que a la vez es atemporal.

Añadir, que aunque no es el foco más relevante de su obra, llevó a cabo algunos encargos reales. El más celebrado fue la decoración del Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro. Ambas obras hoy en día en el Museo del Prado. La primera de ellas de corte mitológico, son diez momentos de la vida de Hércules. La segunda de ellas, representa una de las victorias militares de España ‘La defensa de Cádiz contra los Ingleses’.

A mediados de siglo, Zurbarán viaja a Madrid donde continuará pintando. Fallece en esta ciudad en 1664.