Murillo y la renovación de la iconografía sobre el lienzo

Tal día como hoy de 1682 falleció Bartolomé Esteban Murillo, uno de los pintores más relevantes del Barroco español.

El artista nació en 1618 en Sevilla. Siendo muy niño perdió a sus padres y poco se sabe sobre su primera formación como pintor aunque si seguimos a Palomino, posiblemente se formó con el pintor Juan del Castillo, un familiar de su madre.

En 1645  formará su propia familia  con Beatriz Cabrera. No solo es el año de su matrimonio sino también el de su primer encargo de envergadura , las once pinturas destinadas al Claustro chico del convento de San Francisco de Sevilla. Un buen ejemplo de estas pinturas se encuentra en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, ‘San Francisco confortado por un ángel’. Este y otros ejemplos de la misma serie tienen como fin la enseñanza a través de asuntos relacionados con Santos de la Orden franciscana.

El estilo del pintor va a ir cambiando con el paso de los años e influenciándose de otros artistas.  Por ejemplo, en 1655 es palpable como su pintura se empapa directamente de la obra de Francisco de Herrera el Mozo que por aquel entonces se encuentra trabajando en Sevilla. Un ejemplo de obra de corte herreriano será el cuadro ‘San Antonio de Padua’.

De esta forma el pintor se introduce en un estilo en consonancia con en el Pleno Barroco.

A lo largo de su carrera, realizaría importantes encargos para algunos de los conventos más conocidos de Sevilla como el Convento de San Agustín (1664), la Iglesia de los Capuchinos de Sevilla (1665) o la Hermandad de la Caridad con la ‘Serie de la misericordia’ (1666 – 1670) para el Hospital.

Dentro de la obra de Murillo podemos ver como la religión es fundamental en sus pinturas. No sólo los cuadros dedicados a Santos o personajes de la Iglesia, sino que también influyó y renovó algunas de las iconografías más importantes de la Iglesia. En primer lugar, la Inmaculada Concepción, es una de las representaciones marianas que más han dado de que hablar en los concilios celebrados por la Iglesia Católica. Hasta este momento los dos modelos por excelencia de la pintura sevillana eran las Vírgenes de Pacheco y Zurbarán. En el Museo Nacional del Prado tenemos un gran ejemplo en la conocida como ‘Inmaculada de El Escorial’. Por otro lado, tenemos la imagen del Buen pastor (‘El Buen Pastor’ del Museo del Prado).

La pintura religiosa es importante pero también realizó pintura profana. Entre ellos podemos destacar algunos donde sus protagonistas serán niños y un número reducido de retratos.

El artista falleció el 3 de abril de 1682.

Ludwig Mies van der Rohe: vídrio, hormigón y acero

Ludwig Mies van der Rohe nació en Aquisgrán el 27 de marzo de 1886. Es uno de los arquitectos más paradigmáticos de todo el siglo XX junto a Walter Gropius, Le Corbusier y Wright.

Los primeros pasos que da como diseñador fueron sus comienzos al lado de Bruno Paul .  La arquitectura de Mies Van der Rohe arranca en el año 1907 con ‘La casa Riehl’.  Durante la  primera década del siglo XX se estableció en el estudio de Peter Behrens. Es en este momento cuando conoce a Walter Gropius y Le Corbusier A partir de 1912 se estable en su propio estudio. Por estos mismos años, se trasladó con su esposa Ada Bruhn a Werder.

La llegada de la Primera Guerra Mundial, igual que ocurrió con tantos otros artistas hace que cambie el rumbo de su vida, por un lado, de sus relaciones familiares, las cuales rompe y por otro lado, se va a realacionar directamente con la Vanguardia gracias a personajes como Hans Richter. Personajes de la talla de Man Ray, Teo Van Doesburg, Walter Benjamin etc. Colaboró con la Vanguardia con publicaciones como ‘La revista G’ junto a Richter además de adscribirse a algunos de los movimientos revolucionarios como el De Stijl y el Novembergruppe.

Su carrera como arquitecto despliega con ciertos encargos hasta que 1929 queda consagrado con ‘El pabellón alemán’ para la exposición internacional de Barcelona.

Con obras como esta podemos perfilar perfectamente las características más importantes de su arquitectura.  Resumiendo, en primer lugar queda definida por el geometrismo, la sencillez y la proporción. Los materiales que utiliza son muy concretos,  algunos los explota hasta  el máximo como es el caso de el vidrio, el hormigón armado y el acero. Por otro lado, el espacio que configura en sus edificios es racionalista y vacío, son espacios abiertos.

Desde 1930 dirigió la Bauhaus, la conocida como escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius. Fue la primera escuela de diseño del siglo XX. Tuvo que emigrar a Estados Unidos y fue nombrado director de la Facultad de arquitectura del Illinois Technology Institute de Chicago. Esta es una de las etapas más importantes de su carrera y culminó igual de alto que uno de sus rascacielos, el Seagram Building de Nueva York.

El 17 de agosto de 1969 muere en Chicago.

Houdon y la escultura

Jean Antoine Houdon nació tal día como hoy el 20 de marzo de 1741 en Versalles.

Su relación con el arte comienza en su juventud. Tras ser galardonado con el Premio de Roma en 1761 marchará a Italia. Posteriormente a este viaje, realizó otros, por ejemplo estuvo en dos ocasiones en Sajonia y también a Estados Unidos.

De regreso a su país de origen, Francia, se presentará en la academia con algunos de los trabajos que había realizado hasta el momento.  Entre ellos se encontraba el conocido ‘Busto de Diderot’ y   ‘El Morfeo’. Pasó a formar parte de la Academia Francesa en 1777. Una vez en Francia llegará a ser considerado uno de los artistas más relevantes y representante del Neoclasicismo escultórico. Tanto que entre 1792 a 1823 fue director de la Escuela de Bellas Artes.

Su fama era bien conocida y entre algunos de sus trabajos costaban personajes importantes de la sociedad como filósofos, ilustrados, políticos y reyes. Su arte incluso se puso al servicio de la Revolución. Políticos incluso más allá del panorama europeo y uno de los mejores ejemplos, es la escultura llevada a cabo en 1785 del presidente George Washington en Estados Unidos.

El artista falleció en París el 15 de julio de 1828.

La exposición ‘Picasso. Retratos’ en Barcelona

La exposición ‘Picasso. Retratos’ inaugurada en Barcelona busca hacernos comprender un poco más como el genio abordó uno de los géneros de la historia de la pintura.

Ahora bien, la primera pregunta que todos nos hacemos ante la temática de la exposición es ¿qué lugar ocupó el género pictórico en la vida del artista?

Primeramente llama la atención como a diferencia de otros grandes artistas de la historia de la pintura, nunca aceptó el encargo de un retrato. Cuando aborda el género lo hace desde un punto de vista personal, representando a la gente de su alrededor, a la gente que conocía bien. De ahí que capte lo psicológico del retratado e incluso cuando aborda el género desde técnicas más satíricas como la caricatura. Hay que tener en cuenta que era un artista polifacético que a lo largo de su vida trabajó todo tipo de técnicas y desde diferentes puntos de vista Nos encontramos a un artista que puede enfocar un retrato desde una caricatura, hasta un retrato con un dibujo de línea fina como puede ser el ‘Retrato de Olga Khokhlova’ (1923).

A lo largo de estos retratos podemos conocer un poco mejor la vida del artista. Gracias a ellos podemos echar un vistazo a las mujeres con las que compartió su vida. Hay que tener en cuenta que las mujeres, fueron una de las constantes de su arte. En otros retratos representó a sus amigos y allegados como por ejemplo en el ‘Retrato de Kahnweiler’ (1910), amigo y marchante del artista.

En definitiva, la muestra organizada por el Museo Picasso de Barcelona y la National Portrait Gallery busca hacernos da un paso más en la concepción del género.

Una primera edición de ‘La tauromaquía’ de Goya se encuentra en Francia

Sotheby’s subasta una primera colección de la tauromaquia de Goya que ha aparecido en la biblioteca del castillo de Montigny Norte de Francia.

Son  33 grabados en buen estado de conservación. Fueron propiedad de Anne Adrien Pierre de Montmorency Laval (1768-1837),  embajador en la corte en Madrid en el siglo XIX durante el reinado de Fernando VII.

‘La tauromaquia’ se publica en 1816 y se compone de 33 tablas aunque a partir de la tercera edición se le unen imágenes adicionales. Goya busca poner sobre la plancha una historia del toreo en España y además incorpora otros episodios anecdóticos.  Las planchas fueron trabajadas con la técnica del aguafuerte con dibujos preparatorios que había llevado a cabo en tiza roja. Como texto para enunciar los grabados eligira un texto de Moratín, amigo del pintor. Posteriormente retomara este mismo tema en otra serie de litografías llevadas a cabo en Burdeos en 1824 y conocidos como ‘Los toros de Burdeos’.

En esta etapa de su carrera nos encontramos ante un pintor experimentado. En 1812 había muerto su esposa y tras la guerra se enfrenta a una España gobernada despóticamente por Fernando VII, monarca con el que nunca tuvo buena relación. Hay que tener en cuenta que Goya siempre fue muy cercano a personajes ilustrados como Jovellanos y a los sectores más aperruristas que tras la invasión de Napoleón se conocían como “afrancesados”. Casi no recibe encargos de la nobleza y llegado un momento pidió permiso al Rey para marchar a Burdeos definitivamente.

‘El Retrato de Perfil’ en la Fundación Gala – Salvador Dalí

El ‘Retrato de Perfil’ fue adquirido recientemente por la Fundación Gala – Salvador Dalí.

El museo tiene entre sus fondos importantes piezas de la producción daliniana pero como todas las instituciones museísticos, nunca es suficiente. La adquisición habla  del artista y sus inquietudes en el lienzo antes de unirse al grupo Surrealista de André Bretón.

La obra ha sido subastada por Bonhams en la ciudad de Londres, creando  un revuelo en el mercado del arte. debido a que nos encontramos ante una de las pinturas más desconocidas del artista. Hacía mucho que se había perdido la pista de la tela.

La historia del cuadro empieza unida a la familia del Dalí y posteriormente le seguimos la pista hasta una exposición en la Galería Dalmau en Barcelona. Ahora bien,  fue en 1929 cuando lo compra Joaquim Cusí, un farmacéutico que lo lega a sus descendientes. No se volvió a ver el cuadro de forma física.

En el lienzo Dalí representó a su hermana Anna María. Es un retrato de perfil y de fondo se enmarca en los paisajes de Cadaqués que también vemos en otras de sus obras como ‘Muchacha frente a la ventana’. Nos habla de la relación familiar que tuvo con su hermana y de como cambia con el paso de los años. En un principio no era mala pero se va a ir tornando de color gris debido al mediatismo que el pintor dio a algunos aspectos de su vida.  Prueba de ello es  ‘La autobiografía secreta de Salvador Dalí’ pero además también influyó mucho la llegada de Gala a su vida sin dejar de lado,  otras tantas de sus excentricidades.

La obra la pinta en 1925. En estos momentos estudia en la Residencia de Libre Enseñanza de Madrid junto a sus dos grandes amigos Federico García Lorca y Luís Buñuel. Exactamente pintó el lienzo en unas vacaciones que disfruta en Cadaqués junto al poeta, quien marcará notablemente al artista posterior que será Dalí.

El genio de Miguel Ángel

Tal día como hoy de 1475, nació Miguel Ángel. Es uno de los artistas más polifacéticos de toda la Historia del Arte, pintor, arquitecto, dibujante y escultor.

Como tantos hombres de talento, desde muy pequeño quería ser artista a pesar de la imposición paterna.   Su aprendizaje comienza con tan solo 12 años en el taller de Doménico  Ghirlandaio. Pero su formación continuará en la misma  Florencia admirando las esculturas antiguas  y de esta moda entrando directamente en círculo de Lorenzo el Magnífico. Miguel Ángel pronto se empapó de todo el ambiente humanista que se respiraba en la Florencia de los Médici y unido a ello de las corrientes Neoplatónicas.

De Florencia marchó a Venecia  y pasó un tiempo dedicado plenamente a la escultura hasta que finalmente en 1496 marcha a Roma. Esta ciudad marcaría al artista hasta su muerte y con ello el mecenazgo de Julio II.  Amparado por el mismo Vaticano realiza grandes obras y aunque se podrían lista, vamos a destacar dos: la tumba del Pontífice (1505) y la decoración de los frescos de la Capilla Sixtina (1508).  Son la perfecta elección para mostrarnos la fama de Miguel Ángel en vida. Se le encargó intervenir en dos de los símbolos romanos por excelencia.  En primer lugar un enterramiento del “nuevo Pedro” y en segundo lugar, en los  frescos de la capilla, lugar de reunión para los Cardenales en Cónclave y que tenía que aleccionarlos.

Al final de su vida,  estuvo más ligado a otra de las artes nobles, la arquitectura.  Llevó a cabo diferentes proyectos y entre ellos, intervino en la finalización de San Pedro el Vaticano siguiendo los pasos de Bramante. De esta manera levantó la cúpula de la San Pedro y con ello otro símbolo de la Roma papal.

Terminar diciendo que como todo gran artista,  su vida y su arte quedaron marcados por su creatividad pero también por su “genio” y con ello por otros rasgos como el carácter y las pasiones.

Falleció en Roma en 1564.